Entrevistamos a Mamoru Hosoda, director de Scarlet, Belle y La chica que salta a través del tiempo
Scarlet, la nueva cinta de de Mamoru Hosoda, llega hoy a los cines de nuestro país y no podemos recomendarla lo suficiente. El director que nos trajo cintas como Belle y La chica que salta a través del tiempo lo volvió a hacer y nos entregó una obra de arte.
Tuvimos la oportunidad de platicar con el director de la cinta, nominado al Premio de la Academia a Mejor Película de Animación por Mirai en 2018, ganador múltiples Premios de la Academia de Japón a la Animación del Año, y quien recibió una ovación de pie por 14 minutos en el Festival de Cannes por Belle, de 2021. En esta entrevista, Hosoda nos permitió conocer sobre su proceso creativo, cómo fue que construyó la película, el uso de símbolos universales y el menasaje que quiso transmitir.
¿De qué trata Scarlet?
Scarlet es un poema épico convertido en película de animación. Cada cuadro, cada escena, cada detalle explota al máximo la animación como medio, para entregar emociones destiladas en sus casi dos horas de duración.
La película desdobla una de las historias de venganza más conocidas de la literatura, Hamlet, le añade una o dos páginas de poemas épicos como La Divina Comedia, y los pone en conversación directa con filosofías orientales y occidentales, para entregar un relato profundamente humano. Esta producción nos ofrece un tapiz de la humanidad en su conjunto, una forma de ver cómo las ideas y los conflictos trascienden barreras geográficas, religiosas, culturales o ideológicas.
Tráiler de Scarlet, de Mamoru Hosoda
Scarlet, de Mamoru Hosoda, ¿vale la pena? Reseña sin spoilers
La animación de Scarlet es de primer nivel y la historia, aunque sencilla y lineal, no necesita de grandes giros o momentos rebuscados para que su mensaje impacte de lleno con el espectador. Podemos atrevernos a decir que es el trabajo más ambicioso y arriesgado de Hosoda a la fecha.
Recomendamos ampliamente la película que, sin dudas, se va a convertir en un clásico de culto, de la mente de uno de los grandes que entiende la animación por lo que es: un vehículo poderoso para contar historia y generar emociones.
¿Qué hay detrás de Scarlet? Su director, Mamoru Hosoda, nos habla de su inspiración, proceso creativo y significado
Nación Gamer: ¿Cómo fue el proceso de creación de un poema épico en formato de película animada?
Mamoru Hosoda: Creo que un poema épico es la historia de un individuo que, a la vez, refleja toda la época en la que se desarrolla. En la Ilíada de Homero y La Divina Comedia de Dante, el viaje de una sola persona revela lo que la gente de aquella época temía y anhelaba. Para mí, Wolf Children también fue concebida como una especie de epopeya. Crear una epopeya en animación implicó usar todos los elementos, visuales, musicales y de movimiento, para plasmar el “peso de una época” en el cuerpo de un solo personaje.
Scarlet corre, se lastima y se pierde; cada uno de esos movimientos se convirtió en un vehículo para las preguntas que nos plantea nuestra era moderna. Reunir emociones a gran escala y extremadamente personales al mismo tiempo fue, creo, la esencia de representar una epopeya a través de la animación.
“Quise representar con cuidado la tristeza subyacente y cómo el corazón comienza a conmoverse al encontrarse con otros.”
— Mamoru Hosoda
NG: ¿Cómo fue tomar la historia de venganza más famosa de la literatura y convertirla en un tapiz de emociones profundamente humanas?
MH: Fue una experiencia muy difícil. Una historia de venganza suele tener una dirección emocional muy fuerte y clara. Se ha arrebatado algo, y el deseo de reclamarlo o de hacer pagar a alguien impulsa la historia. Pero las emociones humanas reales no son tan simples. Dentro de la ira también hay amor, pérdida, vacilación y debilidad. Esta vez, quise preservar esa complejidad en la película tanto como fuera posible. Creo que es precisamente por eso que Hamlet sigue resonando hoy en día. Si bien es una historia de venganza, también describe las razones por las que una persona no puede actuar, por qué duda y el vacío que se esconde tras la ira. Así que con Scarlet, en lugar de simplemente seguir la estructura de la venganza, quise representar con cuidado la tristeza subyacente y cómo el corazón comienza a conmoverse al encontrarse con otros. Más que representar la venganza en sí, quise representar el corazón humano que se siente atraído por la venganza.
NG: ¿Qué papel desempeñan la danza y la música en la película como parte de la experiencia humana?
MH: La música utilizada en la escena de baile de Shibuya combina música de baile contemporánea con samba. Siento que las danzas sudamericanas tienen un espíritu de celebración de la vida de una manera rica y alegre, y transmiten un fuerte sentido de bendición. Quería que la música misma transmitiera esa misma sensación. También hay una escena de danza hula. El hula es una danza que naturalmente trae una sensación de felicidad, pero al mismo tiempo es un ritual de oración. El hula auténtico se considera un diálogo con los dioses, así que pensé que presentar una danza así en el Mundo Acrónico tendría un profundo significado. Originalmente había imaginado una escena completamente diferente, pero cuando viajé a Hawái para investigar la ubicación después de la pandemia y vi danza hula, me di cuenta de que era el elemento adecuado para incorporar.
En cuanto a la canción utilizada en la película, el punto de partida de la idea fue la idea de que incluso una simple canción de amor, del tipo que escuchamos casualmente en la vida cotidiana, podría resonar de una manera completamente diferente al escucharla en el abrumador paisaje del Mundo Acrónico. Esa canción es, de hecho, un punto muy importante en la historia. Aparece en cinco escenas: primero cuando Hijiri la tararea en voz baja, luego en un flashback contemporáneo, más tarde como una actuación durante el viaje, después en la escena de baile de Shibuya y, finalmente, cuando Scarlet la canta ella misma. En cada una de esas escenas, el arreglo y la expresión también son diferentes. Aunque es la misma canción, adquiere un significado completamente distinto cada vez que se escucha. La creamos precisamente para lograr ese efecto.
NG: Más allá de una lectura superficial de un mensaje antibélico, ¿cuál es la importancia de una película como Scarlet en el clima sociopolítico actual?
MH: No quería que esta película simplemente dijera que el conflicto es malo. Si ese fuera el mensaje, se volvería demasiado general y no llegaría a las emociones más profundas del público. Lo que me importa es preguntarme por qué la gente no puede dejar de luchar, por qué continúan los ciclos de represalias y si esa estructura existe no solo a nivel de naciones, sino también en las emociones de cada individuo.
En el mundo actual, no solo el conflicto y la división parecen no tener fin. También existe la preocupación de que, con el auge del populismo, las mismas fuerzas de la razón y la moderación que antes prevenían los conflictos se estén debilitando gradualmente. Cuando las personas se sienten atraídas por la retórica contundente y las narrativas simples de enemigos y aliados, su capacidad para contemplar realidades complejas se debilita. Precisamente porque vivimos en una época así, con Scarlet no quise contar una historia sobre salvar el mundo mediante grandes ideales. En cambio, quise retratar un pequeño cambio, cuando una persona se da cuenta de que su propia vida importa más que la venganza.
Si esta película tiene algún significado, creo que no reside en dar una respuesta al público, sino en preguntarse con serenidad si la lógica de la violencia también podría existir en nosotros mismos. La estructura del mundo, en última instancia, no está separada de la estructura del corazón de cada individuo. Si el público puede sentir esa conexión, entonces creo que esta obra tiene sentido.
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NG: ¿Cómo es navegar entre mitos que se sienten universales, símbolos sagrados que no solo conmueven la sensibilidad japonesa, sino que pueden resonar en cualquiera?
MH: Creo que la universalidad no es algo que exista de forma abstracta desde el principio. Surge solo después de profundizar en emociones muy concretas y personales. En otras palabras, cuando intentas crear algo pensando: “Debería hacer algo que todos puedan entender fácilmente”, a veces puede volverse superficial. Más bien, creo que manejar adecuadamente el peso de los símbolos y mitos que se han sentido con urgencia dentro de una cultura, a la larga, llegará más lejos.
Con Scarlet, no pretendía confinar la película a una sensibilidad puramente japonesa. Al mismo tiempo, tampoco quería empezar organizando un conjunto de símbolos internacionales abstractos. Motivos como el Mundo Acrónico, los viajes, la oración y el perdón se han compartido en muchas culturas, aunque se presentan en diferentes formas. En lugar de tomar prestados esos símbolos, quería abordar las capas de emoción que la humanidad ha acumulado a lo largo de los siglos.
Los mitos y los símbolos sagrados no son herramientas para la explicación. Los veo más como recipientes que contienen lo que la lógica humana no puede organizar por completo. Por eso, en lugar de intentar que sean “fáciles de entender”, valoro dejar espacio para que el público proyecte sus propias experiencias y recuerdos en ellos.
NG: ¿Cuál es tu poema épico favorito y cómo han influido estas obras en tu propia obra?
MH: Mi poema épico favorito es la Divina Comedia de Dante. La leí por primera vez en el instituto y me dejó una profunda huella. Dentro de esa gran estructura de viajes por el Infierno, el Purgatorio y el Cielo, el protagonista se encuentra con figuras históricas y filósofos uno tras otro. Lo que más me atrajo fue que el viaje no es simplemente una aventura, sino un viaje espiritual que continúa preguntándose qué significa ser humano, qué es el pecado y qué es la salvación.
En mis propias películas, a menudo represento otros mundos o mundos que existen en otro nivel. Esto no se debe simplemente a que me interesen los espacios fantásticos, sino a que siento que situar las emociones humanas y el sentido de la vida en un lugar ligeramente alejado de la realidad nos permite examinarlos con mayor profundidad. En Scarlet, también está el motivo de “viajar por el Mundo Acrónico”, y la imagen del Purgatorio en la Divina Comedia sin duda influyó en esa idea. A medida que el protagonista continúa el viaje, conociendo a muchas personas diferentes, su yo interior también cambia gradualmente. Esa estructura ha sido una fuente de inspiración muy significativa para mí.
NG: La película plantea las preguntas primordiales para toda la humanidad: ¿qué es la vida, qué es el amor, qué es ser humano? ¿Dónde crees que se encuentra la respuesta para cada uno de nosotros?
MH: No creo que exista una única respuesta correcta a estas preguntas que alguien pueda darte de una sola vez. Más bien, creo que las personas se acercan gradualmente a sus propias respuestas a través de encuentros con otros, al sentirse heridas, al perderse y al tomar nuevas decisiones. Vivir, amar y ser humano no son cosas que solo se puedan comprender plenamente en la mente. Son cosas que se descubren a través de nuestras relaciones con los demás y a lo largo de nuestras propias vidas.
Al principio de Scarlet, la protagonista solo ve venganza. Cree que la venganza es el único camino que le queda en la vida. Pero durante su viaje se encuentra con otras personas y, poco a poco, comienza a darse cuenta de que su ira no es absoluta. Solo entonces surge la pregunta: “¿Cómo quiero vivir realmente?”. En ese sentido, creo que las respuestas no se forman completamente en nosotros desde el principio; solo comienzan a tomar forma a través de las relaciones y experiencias con los demás.
Por eso, en esta película, en lugar de afirmar respuestas definitivas, para mí era más importante no presentar una respuesta definitiva, sino permitir que el público se llevara esa pregunta consigo. ¿Qué hay más allá de la ira? ¿Qué significa amar? ¿Qué significa elegir la propia vida? Quizás afrontar esas preguntas ya sea parte de lo que significa vivir como ser humano.
NG: ¿Es esta tu obra más ambiciosa en cuanto a alcance, discurso e ideas filosóficas?
MH: Scarlet supuso un reto importante para mí personalmente. No solo por la magnitud de la historia, sino también porque los temas y las preguntas que aborda son más amplios que cualquier otra que haya hecho antes. ¿Qué es la venganza? ¿Qué es el perdón? ¿Cómo se puede seguir viviendo con el recuerdo de los muertos? Y, en medio de ciclos de violencia, ¿es posible elegir un futuro diferente? Esta vez, intenté abordar estas preguntas directamente.
En mis películas anteriores, a menudo he retratado la familia, la pérdida, el crecimiento personal y los encuentros con otros. Con Scarlet, quise conectar esos temas con los problemas más amplios que enfrenta el mundo. Es la historia de las emociones personales de una chica, pero al mismo tiempo quería que abordara los ciclos de conflicto y represalias que existen en el mundo actual, así como explorar la naturaleza de la ira y la esperanza humanas. En ese sentido, creo que esta película fue una iniciativa verdaderamente ambiciosa.
Filosóficamente, esta no es una película que ofrezca respuestas. Más bien, es una película que plantea a cada espectador la pregunta: ¿cómo vivirás y qué elegirás más allá de la ira? Abordar estas preguntas fundamentales abiertamente dentro de la narrativa fue un gran reto para mí, y creo que representa el aspecto más ambicioso de esta película.
NG: ¿Cuál es tu libro, película, serie de televisión y, si acaso, videojuego favorito?
MH: Hay innumerables respuestas posibles a una pregunta como esta, así que es difícil elegir solo una. Pero si tuviera que nombrar una sola obra, sería El espíritu de la colmena de Víctor Erice. Es la película que me inspiró a convertirme en cineasta.
¿Cuándo se estrena Scarlet, la nueva película de Mamoru Hosoda?
Scarlet ya está disponible en salas de cine.
